L’artista Johanna Hedva e il regista George R. Miller sono i vincitori della residenza musicale Andrew Mangold presso Casa Mahler per sviluppare un nuovo lavoro che debutterà nell’autunno del 2026 e sarà portato in tournée nel 2027. Una recente messa in scena dell’opera è stata co-headliner del Creamcake Festival presso l’HAU Theater di Berlino, registrando il tutto esaurito a ottobre.

La residenza è organizzata in memoria del compositore e musicista Andrew Mangold (1971-2021). Il comitato di selezione è stato presieduto da Duval Timothy e Mathias Kawinek.

Hedva è una scrittrice, artista e musicista coreano-americana la cui influente opera si interroga sul modo in cui affrontiamo la malattia, la disabilità, il destino e la morte. Intrisa di riferimenti e metodi ermetici e filosofici, la sua pratica spazia dalla scrittura critica alla narrativa, dalla musica alla performance e all’arte visiva. La recente performance e l’album di Hedva “Black Moon Lilith in Pisces in the 4th House” hanno fuso la chitarra doom-metal con il canto coreano P’ansori. Hedva ha anche una formazione nell’opera classica di tradizione europea. Il loro nuovo lavoro giustapporrà questi stili canori agli antipodi: la voce operistica classica con la voce “spezzata” coltivata e controllata nella formazione P’ansori come riflesso di un conflitto emotivo e di un’emozione catartica.

Il lavoro in fase di sviluppo presso i Mahler & LeWitt Studios sarà realizzato come una performance multidisciplinare per spazi teatrali ed espositivi. Combinerà un nuovo ciclo di canzoni, un’opera teatrale ed elementi scenici (luci, costumi, scenografia, scultura e installazione). Hedva scrive:

“The songs use melody, style, content, and structures I’ve never used before. They tell a story, beginning to end, that excavates themes of desire, power, pain, and fragility. It’s midnight. It sounds like a succubus singing folk songs. These are dominatrix blues. There are demons to be exorcised. Maybe I am the demon.⁣ The songs are blunt, wild, big—but they were written on a haunted acoustic parlor guitar, which is small, and can sound thin. The guitar is haunted. It disappeared for ten years and then returned.⁣⁣ What this requires of me to play is new: I’ve never sung this way before, never played this way before, and never been directed by a collaborator before. As new as all of this is, it is a natural development in my work as a musician, songwriter, performer. I am trying to devote myself to bringing this into the world the way it deserves, and this residency would allow me to do that in a total way.”

“Alongside these songs is a new play that envisions a character named Johanna Hedva, delivering a monologue in a space that may or may not be the afterlife. The stage around Hedva is eerie and bare, with two silent attendants dressed in white pushing a grand piano back and forth across the stage. Black feathers fall out of the piano continuously, accumulating and swirling around the feet of the attendants. A mattress hangs parallel to the stage, just above my head and out of reach. It glows, becoming an otherworldly light source. “Hedva” keeps falling down and getting back up again. They sing, laugh, and cry. They croak, growl, and scream. There are explicit references to Ovid’s Metamorphoses, Romeo Castellucci, Rebecca Horn, and Nine Inch Nails. What feels like 50 years pass.”

La nuova performance sarà la più ambiziosa di Hedva fino ad oggi e sarà sviluppata in collaborazione con il regista d’opera George R. Miller. Miller ha presentato lavori alla Carnegie Hall, all’Opera di Philadelphia, alla Juilliard School, al REDCAT, alla Long Beach Opera, all’Opera di Saratoga, alla Los Angeles Chamber Orchestra, al Pioneer Works, al Pageant e al Wild Up, tra gli altri. È stato produttore principale della Biennale Performa23 di New York, dove ha sviluppato lavori con gli artisti Nikita Gale, Teo Ala-Ruona, KMRU e Alexa West.

Johanna Hedva (nata nel 1984 a Los Angeles, CA, USA; vive e lavora a Los Angeles, USA) Attraverso scritti critici, narrativa, musica, performance e arti visive, il loro lavoro affronta l’estasi tanto quanto l’abiezione; l’erotismo tanto quanto la disintegrazione; la morte, la malattia e la disabilità, tanto quanto il misticismo, il rituale e l’attivismo politico. Citano l’influenza dello sciamanesimo coreano, così come di Diamanda Galás, Keiji Haino e Sainkho Namtchylak nella loro musica, ma in particolare quella del canto coreano Pansori, ove, contrariamente ai criteri occidentali consolidati, i segni di danno vocale non sono visti come prova della “perdita” di qualcosa da parte della voce o dell’artista, ma piuttosto come prova di ciò che l’artista ha guadagnato. Questo sentimento informa anche la loro pratica visiva, insistendo su un’estetica che mette in primo piano il corpo mentre si muove nel tempo ed è segnato e trasformato da tale processo. Hedva vede il corpo non come un intermediario passivo che separa il sé dal mondo, ma come una convergenza agente; Un corpo che porta i segni della lotta, della vita, del dominio e dell’oppressione nel nostro mondo, ma anche costitutivo di altre realtà, altri sistemi di valori e significati, un mediatore di nuove forme di conoscenza. Il loro lavoro si interroga su quale potere venga rivendicato quando una persona comanda il destino della propria materialità, e cosa accada politicamente, esteticamente e concettualmente quando un corpo si arrende a destini più grandi di lui. Per Hedva, portare questa inversione nello spazio dell’arte e delle istituzioni culturali significa sfidare gli imperialismi abilisti che sono endemici in tali istituzioni. Lungi dall’essere un semplice gesto simbolico, situando la politica della negazione in modo così viscerale nel proprio corpo, mettono in atto una ribellione di piacere distorto. Sono autrici di quattro libri, tra cui il romanzo del 2018 On Hell e Minerva the Miscarriage of the Brain, una raccolta di poesie, opere teatrali e saggi pubblicata nel 2020. Più recentemente, il loro romanzo del 2023 Your Love Is Not Good è stato inserito nella longlist del Republic of Consciousness Prize, e la loro raccolta di saggi del 2024, How To Tell When We Will Die: On Pain, Disability, and Doom, ha vinto l’Amber Hollibaugh Award for LGBTQ+ Social Justice Writing. Le mostre personali più recenti di Hedva includono Genital Discomfort, TINA, Londra, 2024; If You’re Reading This, I’m Already Dead, JOAN, Los Angeles, CA (2023); Who Listens and Learns, Modern Art Oxford, Oxford (2022); Glut (A Superabundance of Nothing), Shape, Regno Unito (2021); God Is an Asphyxiating Black Sauce, Klosterruine, Berlino (2020); Reading Is Yielding, parrhesiades, Londra (2019); e Everything Is Erotic Therefore Everything is Exhausting, PØST, Los Angeles, CA (2011). (Biografia tratta dalla galleria TINA — maggiori informazioni qui). Sito web dell’artista

George R. Miller è un regista d’opera. Crea mondi sensorialmente ricchi ed emotivamente precisi che si confrontano con la storia, la potenza, il corpo e la voce attraverso suoni, testi, immagini e azioni. Come regista e produttore, Miller si dedica alla creazione di piattaforme e alla reinterpretazione del repertorio canonico, oltre a promuovere e sviluppare nuove opere. Con una formazione in composizione musicale e arti visive, il suo approccio multidisciplinare e adattabile al contesto mira a dare nuova vita alle forme classiche. Le sue produzioni sono state definite “sbalorditive” (LA Dance Chronicle), “superbamente dirette” (San Francisco Classical Voice), “fondendosi in un unico innegabile impatto” (San Francisco Classical Voice). In questa stagione, George ha debuttato sia in Europa che alla Carnegie Hall. Alla Carnegie, ha messo in scena un abbinamento della Sinfonia n. 3 di Philip Glass e la prima mondiale di Cloud Variations della poetessa J. Mae Barizo, segnando la loro seconda collaborazione, questa volta con la Knights Orchestra alla Zankel Hall. In Europa, ha diretto la scrittrice, musicista e artista performativa Johanna Hedva in un nuovo lavoro all’Hebbel am Ufer (HAU2) di Berlino. È stato ospite fisso del programma operistico dell’Università della California di Los Angeles, dove ha ricoperto il ruolo di direttore associato per una nuova produzione di The Turn of the Screw di Britten e ha diretto una serata interamente dedicata a scene di Mozart con la UCLA Philharmonia Orchestra nella Schoenberg Hall della Herb Alpert School of Music. Ad aprile dirigerà il soprano Kerrigan Bigelow (finalista regionale del Metropolitan Opera Laffont Competition) nel suo recital di M.M. alla Juilliard School, presentando La Voix Humaine di Francis Poulenc e Jean Cocteau con la pianista della Juilliard DMA Amber Scherer. Di recente, George ha inaugurato la stagione della Long Beach Opera con grande successo di pubblico con la prima mondiale di ISOLA, un monodramma della compositrice Alyssa Weinberg e della poetessa J. Mae Barizo, con il soprano Ariadne Greif e la danzatrice-coreografa Julia Eichten. Attualmente sta sviluppando una nuova produzione del Viaggio d’Inverno di Schubert con il basso-baritono William Socolof, una messa in scena dei Quatre Instants di Kaija Saariaho con il soprano Nicoletta Berry e un adattamento dei Sieben Frühe Lieder di Alban Berg con i compositori-interpreti Eliza Bagg e Rohan Chander, che ha debuttato al NOW Festival 2024 di REDCAT. Di quella produzione, LA Dance Review ha osservato: “Ogni dettaglio sembrava attentamente messo in scena, dallo scivolamento della mano di Bagg sulla sua pelle al suo sguardo che entrava e sfuocava, conferendo scopo e chiarezza a ogni momento”. Nella primavera del 2025, George si unì alla Manhattan School of Music come regista ospite per dirigere il Rinaldo di Handel con la Graduate Vocal Arts Division, reinventando l’assurda commedia barocca come un incontro di wrestling della WWE. Voce Di Mache, il noto critico di blog sulle produzioni studentesche di New York, scrisse: “Il lavoro di Miller non parla, urla… Non c’è da stupirsi che il giovane cast e il giovane pubblico lo apprezzino così tanto”. È stato relatore ospite alla Vanderbilt University, alla Manhattan School of Music, alla New School e alla Coaxial Arts Foundation. Sito web dell’artista

Andrew Mangold Formatosi alla Manhattan School of Music di New York e all’Università di Musica e Arti Performative di Vienna, Andrew Mangold era un polistrumentista che componeva ampiamente, dall’orchestra al pianoforte solista. Il suo lavoro era particolarmente influenzato dal suo amore per la poesia e per l’opera di Shostakovich. Più tardi, suonando la chitarra e la voce, compose canzoni e scrisse testi per le sue band The Pet Goats e Berufskleidung. Il loro lavoro traeva ispirazione dai movimenti Hamburger Schule e Proto-punk, incorporando elementi Noise e Post-rock.